domingo, 28 de diciembre de 2008

The Secret Society en la piel de A Room With a View

Esta es la única versión que he encontrado de un tema de A Room With a View. Es de Pepo Márquez, el alma máter de The Secret Society, que acaba de sacar disco en Acuarela. La versión en cuestión (que hace el sólo con su guitarra) es de "Drowing Spaces", el tema más conocido de ARWV. Un temazo que espero poder colgar por aquí algún día (cuando sea capaz de sacarlo del dvd del último concierto que hicieron), y que nada tiene que ver con esta versión en plan tranqui. Curioso, aunque sólo sea para los fans.

Leer Mas......

martes, 23 de diciembre de 2008

Radiohead tocando "The Headmaster Ritual" (The Smiths) en el local de ensayo



Y para seguir dando la brasa con The Smiths, aquí tenemos a Thom Yorke y los suyos pasando el rato durante un ensayo en noviembre de 2007, en el que se lanzan con una versión de "The Headmaster Ritual", una de las canciones más bonitas de Morrissey y Johnny Marr. Radiohead tiene buen gusto, y hay que reconocer que este tema en sus manos suena realmente bien, la verdad. Dejaré por un tiempo a The Smiths tranquilos, pero es que cuando algo que me gusta cae en mis manos, pues...

Leer Mas......

sábado, 20 de diciembre de 2008

Morrissey y Harvey Keytel (capítulo 2)

Todas las portadas de The Smiths fueron cuidadosamente elegidas por Morrissey (al que ya hemos dedicado algún que otro post aquí). En la mayoría de ellas aparecían rostros de actores tanto conocidos como anónimos de películas del pasado. Para el último album del grupo, "Strangeways, Here We Come" (1987), Morrissey pretendía utilizar la imagen de un joven Harvey Keitel riéndose histéricamente con un cigarro en las manos. Esta imagen estaba tomada de la película "¿Quién llama a mi puerta?", que significó el debut tanto del actor como del director Martin Scorsese en 1968. Cuando el sello Rough Trade solicitó su permiso, Harvey Keitel, que desconocía absolutamente todo el grupo, rechazó la propuesta. Su lugar fue ocupado por una fotografía difuminada del actor Richard Davalos, protagonista de "Al Este del Edén", junto a James Dean.

Más tarde, cuando Keitel supo de la existencia del grupo y su relevancia, cambió de idea y permitió que aquella instantánea se emplease como fondo escénico de Morrissey.

Aquí os dejo el vídeo de la primera canción de ese disco: "A Rush and a Push and the Land Is Ours". Un bonito vídeo para mi canción favorita de este álbum.

Leer Mas......

miércoles, 17 de diciembre de 2008

"G.G." Allin, el mayor desequilibrado de la historia del rock (no apto para gente sensible)


Las actuaciones de Kevin Michael “G.G.” Allin (1956 - 1993) a principios de los 90 fueron las más temidas (o celebradas, según cada cual) de la historia de rock. Para algunos, entre los que me incluyo, este músico no fue más que un lunático, aunque para otros fue el símbolo definitivo de la rebelión del rock, ya que llevaba sus actuaciones hasta límites insospechados. De hecho, este “degenerado del rock” fue más conocido por su (¿transgresora?) puesta en escena que por su música: acostumbraba a defecar y orinar encima del escenario, revolcarse por sus heces, a menudo ingerirlas, autolesionarse, desnudarse, realizarse autofelaciones y liarse a hostias contra el respetable. Toda una joyita este Allin al que la revista Rolling Stones (menuda gurú musical de la adolescencia) reservó un espacio entre las más grandes influencias del rock… ¡debido a sus letras!

Aunque más famoso por todas estas acciones violentas y escatológicas, lo cierto es que Alli grabó discos con un buen montón de grupos durante toda su carrera. De hecho, ha colaborado con gente de la talla de Dee Dee Ramone (The Ramones), J. Mascis (Dinosaur Jr.), Genya Ravan (Ten Wheel Drive), David Peel (B. B. King, Plastic Ono Band…), Mark Kramer (Butthole Surfers, B.A.L.L., Half Japanese, John Zorn), Wayne Kramer y Dennis Thompson (MC5) o Gerard Cosloy (que había sacado a bandas como Big Black, Sonic Youth, Dinosaur Jr. o My Dad Is Dead).
Aunque lo cierto es que su música, por lo general mal grabada, recibió comentarios negativos por la gran mayoría de los críticos.

Curiosamente, su padre, Merle Allin, le bautizó con el nombre de Jesucristo Allin (quién lo iba a decir). Al parecer, esto se debió a que Merle (un hombre muy religioso y antisocial) le aseguró a su esposa, Arleta Gunther, entonces de 21 años, que el mismísimo Jesucristo se le había aparecido y comunicado en persona que su hijo recién nacido sería un gran hombre de Dios. ¿Alguno de vosotros adivina por qué su hijo salió como salió?

Pero eso no es todo. La familia vivía en una pequeña casa, sin agua ni electricidad. El padre, además, prohibía todas las conversaciones en el hogar después de que anocheciera y maltrató físicamente a “G.G.”, aunque él mismo nunca utilizó eso como una excusa para cualquiera de sus propias excentricidades.

Tras más de 50 detenciones y algún temporada en la cárcel acusado de violación y tortura, “G.G.” Allin prometió suicidarse con una bomba en el escenario en la noche de Halloween (y de paso asesinar al mayor número de gente que fuera capaz). Muchos no se lo creían. Sin embargo, no pudo cumplir su amenaza, ya que antes, el 28 de junio de 1993, apareció muerto de una sobredosis en el apartamento de un amigo. La noche anterior había abandonado corriendo y desnudo su última actuación, perseguido por la policía y en medio de los disturbios provocados por sus seguidores.

¿Su entierro? Esa es otra historia…

Leer Mas......

viernes, 12 de diciembre de 2008

Steve Albini: "Me parece estupendo que la gente se baje música por internet de forma gratuita"

Aquí os adjunto coherentes declaraciones de Steve Albini, productor de Pixies, The Stogees, PJ Harvey, Nirvana y mil grupos (buenísimos) más, componente de Shellac (antes Rapeman y Big Black) y una de los mayores lumbreras del rock underground de lós últimos 30 años (junto con Ian Mckaye y cuatro mas). Qué razón tiene el hombre cuando dice que bajarse música de Internet de forma gratuita es algo "estupendo. Si puedo compartir mi música, o puedo descargar material de mis amigos de forma gratuita, es algo fantástico, ¿no?". Argumentos de alguien que ha producido discos históricos, que han hecho ricos a más de uno de los que se quejan del descenso de sus ventas millonarias :

-Ya que hablas de negocios, ¿podrías decirnos cuál es tu opinión sobre la industria discográfica en este momento?
-En realidad la industria musical no suele variar demasiado con el paso del tiempo. El modo en el que los negocios discográficos trabajan es básicamente siempre el mismo. Si la industria está en una situación diferente en la actualidad es porque la economía ha cambiado mucho durante los últimos años, y porque ahora es posible descargar material audiovisual de manera gratuita gracias a Internet. Así que los negocios de la música, concretamente los referentes a la venta y manufacturación de discos, están atravesando serias dificultades, pero son problemas que afectan casi exclusivamente a la industria mainstream. En cuanto a la escena alternativa, sigue existiendo una audiencia fiel, una fuerte masa de seguidores que siguen pagando por su música como lo hacían en el pasado. Creo que las pequeñas discográficas están adaptándose bien a la situación, pero los grandes negocios multinacionales se están viendo seriamente afectados. A mí no me afecta, así que es algo que no me quita el sueño.

-¿Y qué opinas concretamente de la descarga de material gracias a Internet?
-Me parece algo estupendo. Si puedo compartir mi música, o puedo descargar material de mis amigos de forma gratuita, es algo fantástico, ¿no?

-Es curioso, ayer estuvimos hablando con Tim Booth, y mantenía una idea completamente distinta a la tuya. Según él, la descarga gratuita destruye la industria independiente, porque en el fondo es robar música.
-Chorradas. Si me compro un disco, y creo que a un amigo le puede gustar y le hago una copia, ya sea en CD o en cassette, y le digo: “oye, escúchalo”, creo que es algo positivo. Es como si le invitara a mi casa y escuchara el material en mi reproductor. Si escucha algo que le gusta, en ese momento se convierte en un fan de esa música, y pasa a ser un comprador potencial, ya sea comprando los discos de ese grupo o asistiendo a sus conciertos. No lo veo como un robo en absoluto, en ningún aspecto, bajo ninguna circunstancia.

Míralo de esta manera: Si alguien descarga material de forma gratuita de internet, aparentemente no tiene intención alguna de comprar ese material. No muestra intención alguna de ir a una tienda a comprar el disco que se está descargando. Así que no pierdo dinero, porque en ningún momento iba a comprar ese disco. Yo lo veo como si fueras a una tienda a escuchar un disco, canción por canción. La diferencia es que lo puedes hacer en casa. Es algo que me parece completamente correcto.

-También puede verse como una manera en la que el consumidor puede ahorrar dinero en música y gastarlo en otras cosas, algo que sí que afectaría a la industria musical, ¿no te parece?
-No lo creo. Te daré un argumento histórico. Si analizamos el comportamiento de la industria musical en el pasado, observamos que siempre que la tecnología ha permitido a más gente escuchar música, ha hecho crecer la industria musical. Y siempre la industria musical se ha mostrado temerosa frente a estos cambios. Cuando el fonógrafo fue inventado, los líderes de las orquestas estaban asustados, pensando que la gente no volvería a asistir a sus conciertos. La diferencia es que el fonógrafo podía ir a lugares a los que la orquesta nunca llegaría. Una persona que viviera en un pueblo pequeño podía comprarse un fonógrafo y escuchar esa música, con lo que se creaba un nuevo fan, un consumidor potencial que podría asistir a uno de esos conciertos. Lo mismo ocurrió con la aparición de la radio. Una banda de jazz podía actuar frente a mil personas, pero la radio permitía a la misma banda tocar ante cien mil, y en el momento en el que lo hiciera podría crear cien mil fans más, consumidores potenciales que podrían acudir a los conciertos celebrados ante mil personas. Cuando apareció la cinta de cassette, los empresarios discográficos aseguraban que iba a ser el fin de la música, que nadie volvería a comprar discos. Lo que en realidad ocurrió es que una persona se compraba el disco, y le grababa una copia a un amigo. De repente, ese amigo descubría que le gustaba mucho esa música, y se convertía en un fan, un consumidor potencial que compraría los siguientes álbumes. Las discográficas despegaron tras la aparición del cassette, vendieron diez veces más de lo que vendían antes.

Míralo desde este otro punto de vista: si vas a gastarte veinte dólares en un disco, tienes mucho cuidado con lo que vas a comprar. Pero si no cuesta nada, vas a probar muchas más cosas. Entonces tomas la decisión de gastarte esos veinte dólares, pero con mucho más criterio que en otras circunstancias. Otra de las ventajas es que como la descarga gratuita es a nivel mundial, un pequeño sello discográfico en España no tiene que publicitarse en América, por ejemplo. Para una discográfica en Chicago, un consumidor en Japón puede descubrir esa música de manera mucho más sencilla. Sin duda a nivel global es algo positivo. Es curioso, pero siempre que la industria se muestra asustada por un gran cambio, la audiencia está entusiasmada con él
.

¿Alguien no está de acuerdo con él?

Leer Mas......

martes, 9 de diciembre de 2008

REM... en 1982.

¡Madre mía, menudos chavales! Michael Stipe tenía 22 añitos y REM aún no había grabado su primer disco: "Murmur" (1983). La banda tan sólo había publicado un single ("Radio Free Europe", 1981) y un EP ("Chronic Town", 1982). Estos dos primeros pasitos fueron grabados para I.R.S. Records, una pequeña compañía que pertenecía a Miles Axe Copeland III, hermano del batería de The Police, Stewart Copeland. Aquí os dejo cinco joyitas de un concierto en The Pier (Raleigh, North Caroline), tan sólo dos años después de que se conocieran en Athens.

R.E.M. "We Walk" (Live 10/10/1982 The Pier, Raleigh)


R.E.M. "Laughing" (Live 10/10/1982 The Pier, Raleigh)


R.E.M. "Ages of You" (Live 10/10/82 The Pier, Raleigh)


R.E.M. "Radio Free Europe" (Live 10/10/82 The Pier, Raleigh)


R.E.M. "Carnival of Sorts" (Live 10/10/1982 The Pier, Raleigh)

Leer Mas......

sábado, 6 de diciembre de 2008

Neil Young en boca de Lizz Wright

Leer Mas......

miércoles, 26 de noviembre de 2008

Robert Smith en La Villa de los Rockeros Muertos

Vídeo de Muchachada Nui que no tiene desperdicio. Habrá que seguir tirando de humor, en tiempos de...

Leer Mas......

Hyperpotamus, mañana gratis en concierto en Madrid

Pocos minutos después de haberos puesto el monólogo de Rob Paravonian, me he visto obligado (tras curiosear por la Red) a incluir inmediatamente otro post en el blog. ¡Con urgencia! Y es que hace cinco días podíais ver y escuchar la versión increíble que Hyperpotamus realizaba en directo del tema de Eurythmics, "Sweet Dreams (Are Made of This)", pero mañana jueves (27 de noviembre), si queréis, podréis verlo en directo completamente gratis en La Vía Láctea (Madrid). Un acto dentro de la Fiesta Future Shorts-Cinemad.

Si no quieres mañana, el 6 de diciembre lo hará en la Sala Sol (Madrid), dentro de la Fiesta Tributo al Disco Blanco, y el 20 de diciembre, a las 12 del mediodía, en La Casa Encendida (Madrid), en un concierto organizado para niños... como tú.

Y por si aún no te ha picado el gusanillo con este crack, que tan sólo utiliza su voz y unos cuantos pedales, aquí te dejo el peculiar vídeo de su tema "Toy Soldier's Day Off" ("Día libre para los soldados de juguete"), grabado el pasado febrero en la estación de Tribunal del Metro de Madrid. Un vídeo, dirigido por Fred Rocha, que fue seleccionado para el Festival Internacional de Cine de Amsterdam.

Leer Mas......

martes, 25 de noviembre de 2008

El monólogo definitivo... que Lou Reed nunca debió escuchar

Increible este monólogo del músico, cómico y "escritor de cosas" Rob Paravonian. Cómo me reí cuando una amiga me lo envió hace ya unos meses. Sabía que hacía bien en guardarlo, y ahora lo dejo aquí, para que le echéis un vistazo. Cuando lo vi por primera vez, no sé por qué me acorde de cuando Lou Reed (The Velvet Underground) contaba cómo aprendió a tocar la guitarra: "La primera vez que agarré una guitarra tenía 10, 11 años. Mis padres me llevaron a un profesor de guitarra. Me mandaron a uno de esos tipos que están en las tiendas de música que venden instrumentos. Me dijo: 'Andate para casa y aprendé a tocar "Twinkle, Twinkle, Little Star"'. Yo le dije que eso no me interesaba, le di un disco de Carl Perkins y le pedí que me enseñara a tocar esas canciones. El dijo: 'Pero sólo son tres acordes.' Yo contesté: 'Bueno, enséñeme esos tres acordes'. Entonces el maestro me dio un libro y escribió los acordes: cómo poner los dedos y esas cosas. Y eso fue todo. Esa fue mi primera y última clase de música." Los mágicos e increíbles tres acordes con los que están escritos algunas de la mejores canciones de la historia de la música. Y ya lo dijo Lou Reed: "De un acorde puede salir una canción. Con dos la cosa se complica. Tres son jazz". Sin embargo, Rob Paravonian, parece estar un poco harto del tema...

Leer Mas......

viernes, 21 de noviembre de 2008

Hyperpotamus... ¿para qué quieres una banda?

He descubierto a Hyperpotamus, un aunténtico crack que se dedica a hacer temas con tan sólo la ayuda de su voz y unos cuantos pedales. ¡Buenísimo! Cuando escuché por primera vez esta versión en directo de la famosa canción de Eurythmics, "Sweet Dreams (Are Made of This)", me puse a bailar yo sólo frente al ordenador, y eso que yo no suelo bailar. Habrá que seguirle la pista.

Leer Mas......

Tesoros perdidos de A Room With A View (Capítulo 2)

No, ya lo sé. No es la primera vez que os hablo de A Room With A View. Y lo seguiré haciendo cada vez que llegue a mis manos una joyita como esta: otro de los temas que tocaron en su concierto de despedida, allá por el 2003. Si en el anterior post sobre el grupo madrileño os puse uno de los temazos inéditos que tocaron en ese concierto (y que muy probablemente jamás serán grabados, ahora que sus miembros están ocupados en otras bandas, como The Cariolets), ahora le toca el turno a "The Minute Before", de su primer disco ("Addition of Duplicities"). Un final apoteósico...

...¿cómo hubiera sido ese tercer disco?

Leer Mas......

miércoles, 19 de noviembre de 2008

Nick Cave: "Este mundo es jodidamente ruidoso"

"Hay muchas cosas que odio en este mundo. Los anuncios de coca-cola, el olor de los McDonals, los taxistas racistas, el periodismo basura, la hipocresía, la opresión y las berenjenas. Pero sobre todo el ruido. Este mundo es jodidamente ruidoso".

Nick Cave, febrero de 2003, en "El Duende".

¿Cabreado? ¿Simplemente un tipo duro? No sé... ve el vídeo y lee la letra.

Stagger Lee (del álbum "Murder Ballads") en Brixton Academy, Londres, en 2004


Letra de "Stagger Lee":
"Fue en el 32 cuando los tiempos eran duros.
El tenía un colt 45 y una baraja de cartas.
Stagger Lee.

Llevaba zapatos de piel de rata y un viejo sombrero Stetson
Tenía un Ford del 28 y letras a pagar por el
Stagger Lee.

Su esposa le echó fuera al hielo y la nieve
y le dijo "No vuelvas nunca más"
Stagger Lee.

Así que ando cruzando la lluvia y ando cruzando el barro
hasta que llegó a un lugar llamado el Cubo de Sangre
Stagger Lee.

Dijo: "Señor HijoPuta, ¿sabes quién soy?"
El encargado del bar dijo: "No, y me importa un carajo"
a Stagger Lee.

Dijo: "Bueno, camarero, es fácil ver
que soy ese hijo de puta malvado llamado Stagger Lee"
El señor Stagger Lee.

El encargado dijo: "Sí, he oido tu nombre en el camino.
Yo pateo culos de hijos de puta como el tuyo todos los días."
Señor Stagger Lee.

Bueno, esas fueron las últimas palabras que dijo el encargado
porque Stag puso cuatro agujeros en su cabeza de hijo de puta.

Justo entonces entró una perdida insolente llamada Nellie Brown
que era conocida por hacer más dinero que ninguna otra puta de la ciudad
Avanza por el local arremangándose la falda
se acerca a Stagger Lee, comienza a ligar
con Stagger Lee.

Ella ve al encargado y dice "No puede estar muerto"
Stag dice: "Bueno, sólo cuenta los agujeros en la cabeza del hijo puta".

Ella dice: "Parece como si no hubieras follado desde hace un buen tiempo
Porque no vienes a mi cabaña. No te costará un céntimo"
Señor Stagger Lee.

"Pero hay algo que tengo que decirte antes de que empieces:
Tienes que haberte ido antes de que mi hombre Billy Dilly llegue"
Stagger Lee.

"Me quedaré aquí hasta que llegue Billy Dilly, hasta que el tiempo llegue a pasar
y lo que es más, me follaré a Billy en su culo de hijo puta"
dijo Stagger Lee.

"Yo soy un hijo de puta malvado ¿no lo sabes?
Me arrastraré sobre cincuenta coños jugosos sólo para llegar hasta el agujero del culo de un muchacho gordo
dijo Stagger Lee.

Justo entonces entró Billy Dilly y dijo: "Tu debes ser
ese hijo de puta malvado llamado Stagger Lee"
Stagger Lee.

"Sí soy Stagger Lee y es mejor que te pongas de rodillas
y me chupes la polla porque si no lo haces, es seguro que estarás muerto"
dijo Stagger Lee.

Billy Dilly se agachó y le llenó de babas la cabeza de la polla
y Stag le dejó repleto de plomo
Oh sí".

Leer Mas......

martes, 18 de noviembre de 2008

The Smiths... y el "diablo" de Morrissey (capítulo 1)

"Handsome Devil", en las fiestas de San Isidro de Madrid (1985)

Dos de las cosas más notables de "los Smiths" fueron, sin duda, su polémico cantante (con sus no menos polémicas letras) y la música compuesta por Johnny Marr, quien creo maravillas con la guitarra en una época en la que el techno pop gozaba de mucho más éxito en las listas de éxitos inglesas.

Hoy hablaremos del primero, Morrissey. Es sabido por todos (todos los que medio conocen la historia de "los Smiths") que la personalidad de Morrisey no era que digamos fácil. Su ego, a juzgar por las historias que cuentan aquellos que le rodearon, lo absorvía todo. Se dice, por ejemplo, que Andy Rourke fue despedido del grupo mediante una nota que el cantante le dejó en el coche. Sin más.

Cuando Johny Rogan escribió la biografía no autorizada (y más exitosa) del duo principal del grupo, "Morrissey & Marr: The Severed Alliance" ("Morrissey & Marr: La Alianza Rota"), el bueno de Morrissey, no contento con el resultado, comentó que deseaba que el autor "muriese en un choque en cadena en la autopista" y, más tarde, "en un incendio de un hotel".

Sin embargo, cuando tuvo que defenderse ante un juez de la demanda por los derechos de autor que interpuso el antiguo bajista, Mike Joyce, sacó el libro de Rogan en medio del juicio y le dijo a su antiguo compañero: "¿Ves? ¡En el título de este libro sólo hay dos nombres: Morrissey y Marr!".

Aquella demanda que perdió le costó a él y a Marr más de un millón de libras y el 25% de los royalties a partir de ese momento. El rencor hacia Mike Joyce y el juez (que el la resolución había considerado a Morrissey como un "enrevesado, truculento y merecedor de poca confianza") le impulsó a componer "Sorrow Will Come in the End". Una canción que aludia directamente al proceso judicial, y que no puede ser editada en el Reino Unido para no chocar con las leyes de difamación.

Así rezaba: "Robo legalizado, me deja sin recursos. Me llega directamente a la yugular. De alguna manera, no me esperaba más de un tribunal de justicia que no hace uso de la verdad. ABOGADO MENTIROSO. Rezo por el día que sientas dolor. Metiste y te creyó un juez vil y senil. Perdiste y te quejaste, y crees que has ganado. Pero te llegará el pesar. Un hombre que degolla tiene tiempo. Y TE VOY A COGER. Así que no cierres los ojos. NUNCA CIERRES LOS OJOS. Crees que has ganado. ¡Oh, no!".

Creo que Morrissey nos dará para más de un capítulo.

Leer Mas......

miércoles, 5 de noviembre de 2008

Billy Tipton, travesti de por vida

El pianista y saxofinista de jazz Billy Tipton,famosos entre 1940 y 1960, se casó tres veces, pero nunca tuvo sexo con sus esposas. Decía que tenía una herida de un accidente de coche que lo había incapacitado para poder hacerlo...

La muerte de Billy Tipton a los 74 años en Spokane (Washington) fue una de las noticias más espectaculares de 1989, y no porque fuera un músico de renombre (como Ellington, Coltrane o Parker), sino porque, una vez muerto, se descubrió que Billy era en verdad una mujer que había vivido haciéndose pasar por hombre desde los diecinueve años.

Cuando llegó la ambulancia a su domicilio para trasladarle al hospital de urgencia, su hijo adoptivo, William, estaba con él. Los médicos desplegaron la camilla, tendieron allí el cuerpo débil del músico y un enfermero le abrió la camisa del pijama para poder revisarlo. "Hijo", le preguntó a William, "¿tu padre se hizo un cambio de sexo?".

Durante casi cuatro décadas, nadie (excepto Tipton) había visto aquel torso desnudo, ni siquiera sus mujeres. "Me quedé con la mente en blanco", contó William, años más tarde. "Pensé que estaba alucinando o algo por el estilo". El lunes, muerto ya Tipton, la autopsia determinó que el cuerpo correspondía al de una mujer biológicamente normal. Alguien del hospital llamó por teléfono al periódico local para ofrecer la primicia. La viuda, Kitty, quiso impedir el escándalo. Mandó cremar el cadáver e hizo una visita al jefe de redacción del diario local para pedirle que respetara su privacidad familiar. El jefe le prometió no publicar nada hasta después del entierro.

"Músico de jazz pasó toda su vida escondiendo un fantástico secreto", fue el titular del 31 de enero. Las agencias se encargaron de diseminar la noticia y hasta el New York Times publicó un obituario de Tipton. Invitada a varios talk shows de tevé, Kitty aseguró que había vivido en la ignorancia del secreto porque Billy y ella no mantenían relaciones sexuales "dado su pésimo estado de salud".

Para entonces, la familia Tipton estaba partida en dos: de un lado Kitty y William; del otro John y Scott, los hijos mayores, también adoptados. La enemistad llegó a tal extremo que, después de la cremación, se dividieron las cenizas en dos urnas, una para cada parte. "Vaya ironía", escribió un periodista, "hasta el final hubo dos Billy Tiptons".

Hasta el momento de su muerte, ni ellas ni sus hijos adoptivos se dieron cuenta que en realidad era mujer haciéndose pasar por hombre.

Leer Mas......

Aquella noche mágica de Duke Ellington...

En principio, era una noche más. Una noche cualquiera. Pero resultó ser, imprevisiblemente, la noche en la que Duke Ellington (junto a su Big Band) dió, para muchos, el mejor concierto de su vida. Era 7 de noviembre de 1940, en la ciudad de Fargo (Dakota del Norte). Un tiempo en el que los EE.UU. pasaban por tiempos difíciles, la gente usaba el jazz para bailar y un tipo llamado Hitler asolaba Europa.

Duke se extrañó, incluso, de que fueran a grabarles, pues faltaba Cootie Williams (ese gran trompetista que debutó con sólo 14 años junto al saxofonista Lester Young y murió en Nueva York en 1985 tras contribuir a la renovación de jazz). Quién le iba a decir a él que esa misma grabación de Jack Towers y Dick Burris (que fue hecha con un equipo bastante casero, pero inesperadamente de gran fidelidad técnica) inmortalizó un momento único e irrepetible, que aún hoy, 68 años más tarde, se sigue escuchando. Magia.

Los locutores de radio Jack Towers y Dick Burris fueron al baile que ofrecía el Crystal Ballroom, instalaron los micrófonos y dejaron que las grabadoras funcionaran mientras la banda tocaba. La grabación del concierto se editó e, inmediatamente, se convirtió un álbum clásico que ha sido reeditado en varias ocasiones... y agotado en todas ellas. Hoy en día, Towers es uno de los más competentes ingenieros de restauración de sonido del mundo. Esa noche, además, sacó algunas fotos y escribió un relato de aquella experienci inolvidable. Así lo contaba:

"Cuando llegamos al Crystal Ballroom esa tarde, algunos de los músicos ya habían llegado. En el escenario cuatro o cinco de ellos estaban sentados en un círculo jugando a las cartas. No queríamos montar nuestro equipo de grabación hasta que Duke nos diera autorización, y él aun no llegaba. Optamos por esperar. Estábamos conversando cuando un joven que vestía el uniforme de la banda se nos acercó. Era Ray Nance. No lo reconocí inmediatamente y le pregunté: “¿Qué instrumento toca Ud.?” Respondió que era trompetista. Le pregunté “¿A quién reemplaza esta noche?” Cootie Williams, fue su respuesta. Una respuesta que recibí como si me hubieran pegado en la cabeza con un palo. Era una pésima noticia, pero decidimos continuar con nuestras intenciones de grabar el concierto. Finalmente Duke salió de su vestuario. Le preguntamos si era posible que grabáramos y contestó amigablemente con una sonrisa: “Si, háganlo, pero no entiendo para qué se esfuerzan, porque nuestro trompetista está en mala forma esta noche.” Instalamos nuestros micrófonos y grabadores y comenzamos a grabar poco después que la banda inició el concierto con el primer tema de la noche “It’s Glory”. Colocamos la grabadora en el suelo al costado del piano porque los cables no eran suficientemente largos. Estábamos literalmente en el medio del escenario rodeado por nuestros héroes. Mientras grabábamos escuchábamos por audífonos. Se imaginarán lo difícil que es oír lo que grabas con Sonny Greer justo detrás golpeando sus tambores.

Durante el intermedio sacamos los discos de acetato y los tocamos para verificar la calidad de la grabación. Y, por supuesto, los músicos, muy interesados, se congregaron alrededor de los parlantes a escuchar atentamente. Recuerdo a Johnny Hodges escuchando los temas que había tocado Ben Webster, y Ben los de Hodges. Recuerdo también que Barney Bigard dijo: “¡Oye, la batería está con demasiado volumen!” En esa época la batería no se escuchaba en las grabaciones comerciales, pero pienso que lo que hicimos estaba bien y fue el método que se usó después en grabaciones de big bands. A Webster le interesó lo que estábamos haciendo y él junto a Jimmy Blanton, el joven contrabajista que ya llevaba un año en la banda, habían ensayado un número con saxo tenor y contrabajo y nos pidieron que lo grabáramos. Era el tema "Stardust", y a pesar de que guardamos un disco especialmente para ellos (las grabaciones las hicimos en discos de 16 pulgadas en las que cabían 15 minutos por lado), no alcancé a grabar las primeras notas, pero resultó ser uno de los mejores temas de la noche.

Cuando el concierto concluyó, muchos de los músicos querían escuchar temas específicos. Ya habíamos acumulado 6 discos y nos fue difícil poder ubicar los temas. Les tocamos los discos enteros hasta que pudieran escuchar lo que les interesaba. Duke quería oír la interpretación de Johnny Hodges de “Whispering Grass”, una canción hecha famosa por el conjunto vocal The Ink Spots esos días. Dick y yo estábamos contentísimos de haber registrado este documento de la banda de Ellington para tocarlo y compartirlo con amigos. No teníamos la menor sospecha que después de 60 años todavía se escucha por todo el mundo
".

Leer Mas......

martes, 4 de noviembre de 2008

Max Roach: un genio precoz que debutó con Duke Ellington y Count Basie... a los 16 años.

Los últimos años están siendo trágicos para el jazz. Parte de los músicos más importantes de la década de los 40 y de los 50 (años de mucha improvisación) nos están dejando. Si el gran pianista canadiense Oscar Peterson, muerto en la Navidad de 2007, fue uno de los más grandes virtuosos de la música, no lo es menos el gran maestro de maestros de la batería, Max Roach, que falleció en agosto de 2007.

Maxwell Lemuel Roach (verdadero nombre de este gran músico) nació un 10 de enero de 1924 en Nueva York. Se interesó por el jazz desde una edad muy temprana, tocando en una marching band cuando sólo tenia 8 años. Su madre, que era cantante de gospel, le aconsejó abandonar el fliscornio para dedicarse a la percusión. Era treméndamente joven, pero Max había tomado una decisión que cambiaría su vida (y la de la historia del jazz) para siempre: matricularse en el Manhattan Conservatory of Music.

Pronto regentó los locales donde se estaba gestando una nueva música: el be-bop. Toda esa fascinación por el mundo del jazz le llevó a pasar un montón de horas escuchando a las big bands y a una orquesta sinfónica que actuaba los domingos en una sala próxima a su casa.

En el conservatorio destacó tan exageradamente pronto entre los demás estudiantes que, con tan sólo 16 años, llegó a sustituir a Sonny Greer en un concierto de la orquesta de Duke Ellington. Una auténtica proeza que se repitió, bajo circunstancias similares, en la orquesta de Count Basie poco tiempo despues. ¿Puede alguién imaginarse a un niño de 16 años tocando con el mismísimo Duke Ellington o Count Basie con sólo 16 años? Es difícil de creer, pero ocurrió

En 1942, con 17 años, ya se había se diplomado en percusión en el Manhattan Conservatory of Music
. Ese mismo año empezó a trabajar en los clubes de la Calle 52, donde en esos momentos estaba surgiendo el Be-bop. Influido por Kenny Clarke, se convirtió muy pronto en uno de los baterías preferidos de ni más ni menos que Charlie Parker y Dizzy Gillespie, que por aquella época eran líderes de este movimiento.

No había cumplido los 20 años y fue contratado por Gillespie para su quinteto, con quien graba por primera vez. Y en otoño de 1945, un año después, interviene en grabaciones que pronto serán históricas, tales como los famosísimas "Billie´s Bounce" y "Now´s The Time", con Parker y Gillespie, a los que acababa de unirse un trompetista joven y desconocido: Miles Davis (con quien poco después intervendrá en las sesiones que marcarían el nacimiento del jazz cool
).

Su lista de colaboraciones es interminable, pero habría que destacar un disco clave en su trayectoria que grabó en 1960, "We Insist: Freedom Now Suite!", junto con su esposa de entonces, la cantante Abbey Lincoln
. No tenéis más que ver el video colgado a continuación para escuchar a Max Roach y... ¡la increible voz de Lincoln! ¡Uf! Esta obra fue concebida con una clara intención política, pues Roach estaba fuertemente comprometido con la lucha por los derechos civiles y la reivindicación de la cultura afronorteamericana. De hecho, en 1985 participa junto a otros músicos en el concierto-manifiesto en favor de la liberación del líder sudafricano Nelson Mandela.

Max Roach murió el 16 de agosto de 2007 mientras dormía. No se informó de ninguna causa de fallecimiento. "Cualquiera puede adquirir la técnica, pero el verdadero reto es traer a este mundo un signo de individualidad y de identificación", dijo en 1999. Y bien que lo consiguió, "dejándonos un pedazo de su alma en las grabaciones", dijeron algunos tras su muerte.

En 1999, Amiri Baraka escribió un poema llamado "Digging Max":

Max is the Highest
The Outest, the
Largest, the greatest,
The fastest, the hippest,
The all the way past which
There cannot be

Leer Mas......

viernes, 31 de octubre de 2008

Tesoros perdidos de A Room with A View...

Temas como este habrían formado parte de lo que sería el tercer disco de A Room with a View, pero desgraciadamente se separaron antes de grabarlos. ¿Los escucharemos alguna vez en un disco? Parece más bien imposible. Así que, si estuviste en su último concierto en la sala Caracol (Madrid), puedes considerarte afortunado. Si no, puedes comprarte el DVD que grabaron (si es que queda alguna copia) o ponerte este video hasta quemar tu ordenador.

Tema: "Obedece" (inédito).

Leer Mas......

jueves, 30 de octubre de 2008

Stanley Clarke, Marcus Miller y Victor Wooten. Tres leyendas, un solo escenario

Tres de los mejores bajistas de la historia unen su pasión por el jazz y el funk para poner en marcha uno de los proyectos musicales más ambiciosos de los último años. Un disco y una gira histórica de 30 conciertos. ¿Alguien da más?

“¿Qué, tocamos?” Así, como si de tres amigos que se juntan para tocar en un garaje se tratara. Sin embargo, estos no son tres “chavales” cualquiera. Ni mucho menos. Son Stanley Clarke (Filadelfia, 1951), Marcus Miller (Brooklyn, NY, 1959) y Victor Wooten (1964), tres de los mejores bajistas de jazz del mundo (y de la historia), juntos en un mismo escenario.

Por separado, y en distintas generaciones, han tocado con leyendas de la talla de Miles Davis, Chick Corea, Aretha Franklin, Roberta Flack, David Sanborn, Gil Evans, Horace Silver, Stan Getz, Dexter Gordon o Art Blakey. Casi nada, ¿eh?. Ahora, se han unido como SMV y grabado “Thunder” (Dreyfus), que están presentando en una gira bestial de 30 conciertos, que pasó ayer por Barcelona, lo hará hoy por Madrid y mañana por Almería. ¡Benditos aquellos a los que la crisis no les impida ir al concierto¡

“La gente escuchará buena música y verá todo lo que puede hacer un bajo, ¡qué es mucho! Creo que se sorprenderán, porque no se trata sólo de tres tíos compitiendo en un escenario. Después de un par de temas te dejas llevar...”. Así describe Miller esta histórica reunión de amigos. Un “te dejas llevar” que pone los pelos de punta sólo de imaginárselo, pues, no en vano, está dicho por un músico que debutó con tan sólo 14 años en un club de Nueva York, y que a los 18 ya tocaba con nada menos que Miles Davis. “Debuté cuando era un niño. El club se llamaba Penguin Villa. Yo tenía 14 años y ¡nunca me pagaron!”, recuerda.

Pero este ganador de varios Grammy no va lo que se dice solo. Le acompañan Clarke (“Stanley es el innovador”) y Wooten (“Victor ha elevado el bajo a otro nivel”).

El primero podría ser considerado el “padre” del grupo, musicalmente hablando. “No me siento su padre en absoluto. Marcus y Victor son dos músicos verdaderamente completos”. Y esto lo dice un músico que a los 25 años ya era conocido como una “leyenda”.

Al segundo le conocen como el “Michael Jordan” del bajo, un auténtico “maestro” que ha tocado en bandas como Béla Fleck and the Flecktones, y que ha desarrollado varias técnicas innovadoras de cómo tocar este instrumento. “No sé cómo considerarme a mí mismo –dice Wooten-, pero sí, he descubierto otras maneras de tocar que no había visto nunca. Hago lo que hago lo mejor que puedo”. Y no lo hace mal el chaval.

Así que, si quieren ver y escuchar como estas leyendas se “dejan llevar”, afloje unos eurillos. Será algo histórico y creo que merecerá la pena. Yo, por desgracia, tendré que esperar a que pase (por encima de mí) esta crisis. A no ser que quiera invitarme...

Leer Mas......

martes, 22 de abril de 2008

Cuando Stravinsky fue a ver a Parker

Los músicos del bebop (allá por los años 50) no eran ajenos a las innovaciones de la música clásica que se estaban dando en Europa, encabezadas por Arnold Schönberg (1874-1951) y Igor Stravinsky (1882-1971). Estas vanguardias les atraían e inspiraban: Miles Davis (1926-1991), a pesar de abandonar la Julliard School of Art de Nueva York, sentía gran admiración por las nuevas corrientes "blancas" y Dizzy Gillespie (1917-1993) estudiaba trompeta clásica con un intérprete de la filarmónica de Nueva York.

Charlie Parker (1920-1955), por su parte, entabló amistad con Schönberg (inventor del dodecafonismo). A pesar de que el austriaco estaba dispuesto a darle clases de armonía al de Kansas, la heroína impidió que "bird" pudiese estudiar con el vienés.

Parker se autodestruía a vista de todos. Una semana antes de morir sus familiares y amigos más cercanos se reunieron para intentar rescatarlo del despeñadero, pero no fue posible. La vida de excesos era irreversible. Era habitual que llegara un minuto antes a tocar absolutamente borracho, después de diez días sin que nadie supiera de él. Orinaba a dos metros del escenario donde tocaba con Red Rodney, y practicaba sexo en el asiento trasero de los taxis donde también viajaba el dieciochoañero Miles Davis. En 1954, intentó suicidarse dos veces después de que su pequeña hija muriera tras una neumonía mal atendida por falta de dinero. Pero paradójicamente, Parker murió el 12 de marzo de 1955 producto de un colapso cardiocirculatorio, producido después de un ataque de risa cuando veía la televisión.

Nunca sabremos cómo hubiese resultado la música de "Bird" si hubiese estudiado con Schönberg, responsable de darle una vuelta de tuerca a la armonía a principios del siglo XX. Pero en una ocasión estaba Parker tocando en el Minton´s Playhouse de la calle 52 en Nueva York, templo del Bebop donde los solistas se desquitaban de los corsés de las bigbands y se pasaban largas horas improvisando, cuando por la puerta entró, de repente, el mismísimo Igor Stravinsky (uno de los que sí apreciaba esa música nacida en Nueva Orleans).

Cuando le vio, a Parker no se le ocurrió otra cosa que improvisar pasajes al saxofón de ¡"Pájaro de fuego"!, el ballet que Stravinski estrenó en 1910 basándose en historias del folclore ruso sobre un ave mágica de brillo intenso, que simbolizaba tanto una bendición como una maldición para su captor. Sin duda una forma de rendirle respeto y pleitesía al gran maestro.

Ahora sólo cabe imaginarse la expresión de Stravinsky tras presenciar aquel momento mágico.

Charlie Parker "Summertime"

Leer Mas......

miércoles, 16 de abril de 2008

Por fin se estrena el documental "Proyecto Arquímedes: puntos de apoyo para otro mundo posible"

El viaje ha sido largo, pero por fin ha llegado el momento...

Después de que a principios del 2005 a Mikel Renard se le pasara por la cabeza la idea de recorrer los cinco continentes en busca de proyectos sociales de todo tipo, el documental "Proyecto Arquímedes: puntos de de apoyo para otro mundo posible" se estrenará en los Cines Metropol de Castelldefels (Barcelona), el 18 de mayo a las 12:30.

Han pasado más 3 años desde entonces, y son tantas las experiencias vividas a lo largo de este tiempo, que resumirlas aquí sería un despropósito.

Baste con decir que Mikel no viajó solo. Tan pronto esbozó la idea en su cabecita, nos fuimos uniendo los que a la postre seríamos sus compañeros de andanza a lo largo de 9 meses: Carlos Domper, Daniel Viana, Moisés Celades y un servidor. Los cinco Rodamons (ese es el nombre que escogimos para dar a conocer el proyecto: www.elsrodamons.org) recorrimos juntos 25 países (...más o menos) con el objetivo de "descubrir diversas experiencias, iniciativas, comunidades, colectivos, ongs, redes, individuos, etc. involucrados en mejorar y positivizar su barrio, pueblo, fábrica o comunidad de vecinos día a día".

Con unos medios precarios y sin ninguna experiencia previa, a lo largo del viaje fuimos grabando todas estas "pequeñas batallas" y entrevistando a sus protagonistas, con el objetivo de montar lo que podréis ver el día 18 de Mayo en Castelldefels.

El fin último del documental no es contar nuestra aventura (que quedará para nosotros), sino mostrar el esfuerzo que toda esta gente hace por mejorar su entorno y darle la vuelta a un mundo "patas arriba". Cinco proyectos con cinco temáticas diferentes: Inmigración ¿ilegal? (Cádiz, España); Hambre (Wukro, Etiopía); Activismo cristiano, judío y musulmán en los conflictos de Oriente Próximo (Jerusalén, Israel); Los derechos de la mujer (Hong Kong, China); Sostenibilidad (Adelaide, Australia); Plantando cara al imperialismo desde el Imperio (San Francisco, EE.UU.) y Educación (Salvador de Bahía, Brasil).

Con la idea de que "El barco se hunde" y la convicción de que todos nuestros protagonistas no son suficientes, el documental trata de remover conciencias en busca de esos "puntos de apoyo -necesarios- para otro mundo mejor"... que representamos nosotros.

Si alguno quiere asistir que se ponga en contacto con nosotros enviando un e-mail a info@elsrodamons.org, o numero_uno101@ hotmail.com. En concepto de entrada hemos establecido un bono de ayuda de 5 euros que ira, integramente, para Wukro (Etiopía), donde el misionero y activista Ángel Olarán está llevando a cabo, desde hace 15 años, un proyecto que tiene como beneficiarios a miles de niñ@s y jovenes en situación de grave riesgo. Si quisierais ampliar la aportación para esta causa, os facilitaríamos de inmediato el número de cuenta bancaria.

Padre Ángel: "El hambre es un genocidio programado, tolerado. Hay que llamar a las cosas por su nombre. Y si las palabras han llegado a perder sentido, habrá que inventar un idioma nuevo".

Aeropuerto de El Cairo, noviembre de 2005

Leer Mas......

Cuando Sacha Distel conoció a Wes Montgomery….

Cosas de la vida, Sasha Distel murió en el 2004, a la edad de 71 años, siendo más conocido como cantante de variedades que como músico de jazz. Sin duda, la enorme popularidad que alcanzó a raíz de su mediatizado idilio con Brigitte Bardot no debió ayudarle mucho, aunque este seductor, y no menos vividor, guitarrista francés de familia acomodada escribió una de las páginas más bellas de la historia del jazz parisino de los años 50.

Era muy bueno. Un prodigio del jazz de la época, con una técnica impecable… pero no era el mejor. En la década de los 50 ya había hecho su aparición el gran Wes Montgomery. A diferencia de Distel, Wes nació en 1923 en el seno de una amplia y modesta familia, y hasta los 19 años no pudo comprarse su primera guitarra. Empezó a tocar de forma autodidacta en 1943 imitando a Charlie Christian, y ya en 1948 realizó una gira acompañando a Lionel Hampton durante dos años. Esto le dio la posibilidad de tocar con Charles Mingus, Fats Navarro e incluso acompañar a la guitarra a la gran Billie Holiday.

Pero lo que hacía especial a este músico no era su increíble oído o su sentido de la armonía, sino la particular técnica que había desarrollado para no molestar a sus hijos cuando dormían: sólo tocaba con el pulgar de la mano derecha, ni con púa ni con más dedos… sólo con el pulgar. El sonido de este dedo no es tan fuerte como el de la púa y Wes practicaba por la noche cuando volvía del trabajo. Así se sacó todos los solos de Christian, su gran ídolo desde que cogió la guitarra por primera vez.

Esta historia llegó a oídos de gran Sasha Distel, quién se resistía a creérselo. Era imposible que alguien tocase tan bien sólo con el dedo pulgar. Por aquella época no existían grabaciones de vídeo que lo atestiguasen, así que ni corto ni perezoso, Distel cogió un avión hacia Nueva York para verle actuar, para comprobar si eran ciertos aquellos rumores.

Cuando el virtuoso francés entró en el local estaba convencido de que Wes guardaba algún truco bajo la manga y quería descubrirlo. Pero no había truco… de la mano derecha de Wes sólo el dedo más gordo se movía, consiguiendo además ese sonido tan característico que no se puede lograr con una púa.

Sacha derrotado ni siquiera esperó a que acabase el concierto. Se levantó hundido y se marchó. No había truco. Wes era mejor.

Wes Montgomery: "Full House"


Wes Montgomery: "Round Tonight"

Leer Mas......

domingo, 13 de abril de 2008

Mulatu Astatke, el primer africano en el Berklee College of Music

Puede que muchos de vosotros conozcáis a este músico africano a través de la banda sonora de Flores Rotas, la película protagonizada por Bill Murray que Jim Jarmusch estrenó en 2005. Se cuenta que cuando el director estadounidense escuchó a Mulatu Astatke en el 2003, quedó tan impactado que comenzó a escribir un guión única y exclusivamente para acompañar sus ritmos.

¡No me extraña! Yo también conocí a Mulatu Astatke a través de la película de Jarmusch, cuando la vi en Caracas en junio de 2006. Salí tan alucinado con esos ritmos tan pegadizos que incluso me pareció que la trama se quedaba en un segundo plano (¿cuando una banda sonora eclipsa a una película significa que la película en sí es mala? No se, no soy crítico de cine... y puede que esto sólo me pasara a mí). En cuanto salí del cine me fui a un cibercafe (sí, en Venezuela hay cibercafés y cines independientes) y me puse a buscar de quién era esa banda sonora. La respuesta: Mulatu Astatke.

Mulatu Astatke nació en 1943 en Jimma, una ciudad al oeste de Etiopía, y aunque su formación musical la recibió en los Estados Unidos, es considerado como uno de los músicos más importantes del país africano, hasta el punto de que se le conoce como el Padre de Ethio-Jazz. A finales de los años 50 viajó a Londres, y posteriormente a Boston y Nueva York, convirtiéndose en el primer estudiante africano de la prestigiosa Berklee College of Music, de donde han salido otros grandísimos músicos como Branford Marsalis, Diana Kroll, Kevin Eubanks, Michel Camilo, Keith Jarret (...y también otros como Juan Luis Guerra, Quincy Jones, John Petrucci, Steve Vai o Trey Parker -uno de los creadores de South Park-). Allí absorbió las influencias del jazz y la música latina, que más tarde combinó con la música tradicional etíope.

Desde entonces ha grabado varios discos, uno de los cuales, Mulatu of Ethiopia, se ha convertido en una leyenda entre los Dj's de los últimos años. Además ha colaborado con muchos de los músicos de jazz más influyentes músicos del siglo pasado, como Duke Ellington durante los años 70. En su país se le recuerda porque llevó el jazz moderno y las influencias latinas, así como instrumentos específicos de la música occidental, a Addis Ababa. Entre 1968 y 1974 se convirtió en una figura esencial de la gran era del Jazz y Pop etíope, cuando creó las primeras bandas independientes de la "milicia" musical etíope, que anteriormente había dominado al escena de su país.

El disco Ethiopiques, Vol. 4: Ethio Jazz & Musique Instrumentale, 1969-1974 (volumen dedicado exclusivamente a la música de Astatke) es un gran ejemplo para entender la mezcla de influencias que reúne este músico africano. Lo que encontrarás en este disco: la excelente fusión de Jazz, Funk, Groove y Swing.

Bueno, pues aquí os dejo con la música del compositor, arreglista e instrumentista etíope.

Yegelle Tezeta



Y para los que vayáis a ir recientemente a Bruselas, mirad lo que os podéis encontrar por ahí... homenaje a Mulatu Astatke en las cercanías del clausurado cine Revue:"Kasalèfkut Hulu".

Leer Mas......

viernes, 11 de abril de 2008

En algún sitio entre Mekele y Addis Abeba

Hice esta fotografía en noviembre de 2005, en un pueblo de Etiopía cuyo nombre no recuerdo. Fue hecha por casualidad y en movimiento, desde el autobus que nos llevaba desde Mekele a Addis Abeba, la capital del país africano. Un viaje de tan solo 600 kilómetros por carreteras sin asfaltar, que dura dos días enteros...

La foto puede despertar sentimientos muy diferentes dependiendo de quién la vea, pero mi intención no es juzgar. La cuelgo aquí porque, cuanto menos, es una imagen muy significativa de un país cuya esperanza de vida no supera los 47 años, y porque me sirve para introduciros al siguiente músico del que os hablaré: Mulatu Astatke.

De nuestro protagonista anónimo en la fotografía a uno de los músicos etíopes más importantes de la historia: Mulatu Astatke. A fines de los 50, viajó a Londres y posteriormente a Boston y Nueva York, absorbiendo influencias del Jazz y ritmos latinos... continuará en la próxima entrada.

Leer Mas......

jueves, 10 de abril de 2008

“El Regreso” de Pat Martino

Hoy inauguramos sección. Con la asombrosa historia de este guitarrista estadounidense quiero dar comienzo a un espacio en el que se recojan desde las anécdotas más curiosas hasta las biografías más increíbles de la historia de la música. No importa que sucedieran hace 300 años, en el siglo pasado o hace cuatro meses. Blues, Jazz, Pop, Rock, Música Clásica, Étnica, Electrónica… da igual. Tan solo espero que sean historias que merezca la pena escuchar.

La de hoy sin duda lo es. Pat Martino protagoniza uno de los relatos más asombrosas de la historia de Jazz, un ejemplo de superación pocas veces visto. Aunque este instrumento ya contaba con otro gran luchador que se sobrepuso al infortunio (Django Reinhardt, que reaprendió a tocar la guitarra con los dos únicos dedos que le quedaron cuando se quemó el carromato en el que vivía cuando tenía 18 años), la historia de Martino no es menos sorprendente.

Nació en Philadelphia en 1944 (el mismo día que las tropas aliadas liberaban París) y a los 15 años empezó a tocar profesionalmente. Trabajó pronto en formaciones lideradas por músicos como Willis Jackson, Red Holloway o Jimmy McGriff entre otros. Tras tocar con John Handy (1966), empezó a liderar sus propios grupos en sesiones para Prestige, Muse y Warner Bros., demostrando interés en la vanguardia jazzística, el rock, el pop y las llamadas músicas del mundo, que incorporó a su estilo hard bop, convirtiéndose en uno de los más grandes guitarristas de la historia del jazz.

Pero llegó 1980. Con tan solo 36 años, Martino comenzó a sentir fuertes dolores de cabeza continuos. Los médicos le diagnosticaron un aneurisma cerebral severo que, si no operaban de inmediato, podría acabar con su vida. La intervención era complicada, pero no había alternativa.

Al acabar la operación los médicos le comunicaron a su esposa dos noticias: una buena y otra mala. La buena era que Martino había sobrevivido y se encontraba bien. La mala que no recordaba absolutamente nada de su vida anterior. Apenas reconocía a sus padres, ni a él mismo, ni su carrera como músico y había perdido por completo sus habilidades como guitarrista. Ni siquiera sabía lo que era un do. “Me encontraba vacío, desnudo, muerto” ha dicho en alguna ocasión.

Aunque al principio le enseñaban las carátulas de sus discos y no se reconocía, no se vino abajo y luchó contra su memoria perdida. A partir de 1984, Martino comenzó a realizar largas e intensas sesiones de estudio escuchado sus históricas grabaciones y volvió a aprender a tocar su instrumento. Sus viejos discos se convirtieron en “viejos amigos que le ayudaron a recuperar la belleza y la honestidad de su música”. Con ellos, volvió a ser uno de los mejores.

En 1987, tras años alejado de los estudios de grabación, sacó “The Return”. El nombre lo dice todo. Martino consiguió recuperar la forma, grabando de nuevo para Muse y Evidence. Su última compañía discográfica es Blue Note.

Pat Martino: "Welcome to a prayer"

Leer Mas......

sábado, 5 de abril de 2008

Mi pequeño homenaje a Fugazi...



Aquí un pequeño homenaje al hombre (Ian Mckaye) con el que incié este blog hace ya la friolera de... ¡¡¡30 días!!! Vale, poco a poco. Esta es una de las primeras actuaciones de Fugazi, el grupo del que forma parte hace 20 años, aunque todos sus miembros llevaran ya unos cuantos años más sacando discos con el sello Dischord (sello que el propio Mckaye con Jeff Nelson puso en marcha en Washington D.C. en diciembre de 1980) y en bandas como Teen Idles, Minor Threat o Rites of Spring, entre un largo etcétera.

Dischord ha sido un ejemplo de como hacer las cosas para miles y miles de bandas en los últimos 28 años. De como gestionar la música al margen de las grandes multinacionales, y al margen de lo que ahora llaman "sellos independientes", que no deja de ser otra moda más muy alejada de la INDEPENDENCIA. Pero bueno, cada uno escoge su camino.

Dischord y Fugazi no solo han rechazado siempre salir en la MTV, sino que jamas han hecho un vídeo musical (a parte de "Instrument", el atípico documental con el que conmemoraron sus 10 primeros años de carrera, dirigido por Jem Cohen), obligan a que sus conciertos no valgan más de 10 dólares, advierten en todos sus discos que si lo adquieres directamente al sello solo te costará 10 dólares (para evitar que los grandes centros comerciales suban los precios de la música hasta cotas insospechadas), exige que sus conciertos sean para todas la edades (por lo que ha tenido algún problema con la justicia)... y así desde 1980.

Para muchas bandas y sellos desde entonces, Dischord ha sido toda una inspiración, incluso no gustándoles la música que hacen. Son la máxima expresión del "Do it Yourself". El sello y la banda son alabados por gente tan dispar como Michael Stipe, Flea o Fermín Muguruza.

Bueno, es más que probable que muchos ya los conociérais. Así que me callo y que "hablen" ellos. Con ustedes... Ian Mckaye, Brendan Canty, Joe Lally y Guy Picciotto.

Leer Mas......

A Room With A View: Un ejemplo para recordar

Soy consciente de que no estoy cuidando lo necesario este blog, pero prometo que a partir de ahora empezaré a mimarlo un poquito más. A partir de ahora empezaré a publicar cosas más a menudo. Y es que hoy he pensado... ¿No he publicado nada de A Room With A View en el apartado de "Cómo no vivir de la música"? Debería haber sido el primer ejemplo de como llevar una carrera de calidad, con un compromiso claro con la MÚSICA, solo con la MÚ-SI-CA, con buenos músicos, sin prácticamente dinero para pagar un local de ensayo y dejándose la piel en cada concierto. Porque estos cuatro chavales de Madrid (David, Conrado, Pelos y José) se ganaron un público muy fiel no a traves de My Space, sino tocando, tocando y tocando. Y esto lo podríais comprobar si no fuera porque... se separaron en el 2003. Lo siento.

Sus integrantes, por supuesto, han seguido vinculados a la música. José (guitarra y voz) es de esos músicos inquietos que abre y cierra proyectos continuamente. Desde que se fue de ARWA a creado y formado parte de Estetica Polar, Ensaladilla Rusa, Campamento Ñec Ñec, Tetris, etc. Dudo que en Internet encontréis algo de estos proyectos, suelen salir pocas copias y se agotan enseguida. Conrado (Guitarra) llegó a tocar alguna vez la trompeta con Sapiens (grupo que esta grabando su segundo disco y que deberias escuchar y ver en directo... musica y cine por menos de 1o euros). David (bajo) supongo que seguirá conduciendo ambulancias. Y Pelos (uno de los mejores baterías que yo he visto en mucho tiempo... exceptuando a los de jazz, claro) formó The Cabriolets junto a Diego Postigo y la famosa Bimba Bosé. Un grupo muy alejado de lo que hacía en ARWA, después en Emak Bakia y más tarde como DJ de Drum & Base. Es el único que parece que puede empezar a ganarse la vida con su nuevo grupo, con el que ha estado grabando disco en Nueva York con músicos como... ¡John Medeski y Mark Ribot!

Bueno, y para no irme por las ramas, aquí os dejo una de las últimas actuaciones de ARWA, y una de las últimas entrevistas que hicieron en vida, donde se pueden ver unas pinceladas de cómo fue la banda. La entrevista fue hecha en Mondosonoro cuando publicaron su segundo y último disco, y allí podréis leer cosas como:

A las dificultades de sacar un disco -en referencia a "Jupiter and beyond"- se sumaba una cuestión de orden ideológico fundamental para el grupo: el disco tenía que llegar a las tiendas manteniendo un precio razonable. Aún así, prueba superada, según relata David, apurando un nuevo sorbo de su botella de agua mineral: “Hemos llegado a un buen acuerdo con Everlasting, hemos negociado y por su parte existe el compromiso de que el precio en tienda no supere los dos talegos. Vamos a hacer un disco que en lugar de tener ocho páginas de libreto en las que salga hasta la foto de tu perro, pues tenga menos cosas y dé opción a hacer una rebaja en el precio final. Pero también es una cuestión de voluntad y ahí es dónde está el compromiso de Everlasting, que lo va a sacar lo más barato que puedan”. Vamos, que querer es poder, digan lo que digan los prohombres de la SGAE. Ejemplos como el que protagonizan ARWAV y su sello no hacen sino demostrarlo. Otra cosa es que, con precio decoroso y acceso a los circuitos promocionales standard, las cosas vayan a cambiar y su música llegue a ser vox populi.

O cuestiones como el sello que pusieron en marcha, para autoeditarse y sacar, por ejemplo, el primer disco de Standstill (ver la currada web del grupo o myspace):

(Conrado)
“Cuando empezamos con el sello pensábamos ´guay, lo vamos a hacer todo nosotros´, pero en realidad no sabíamos cómo funcionaban las cosas, ni conocíamos a nadie. Y aunque ahora nos metiéramos en un asunto parecido tampoco creo que cambiaran las cosas. Editar los discos estuvo muy bien, pero recuerdo que en esa época no teníamos ni pelas para pillar un local”. (Pelos) “Las movidas chungas en el grupo han sido más generales que personales. Influían muchas cosas; verte sin un sello que te apoyara, verte sólo obligado a moverlo tú todo si querías hacer una gira, movidas de curro y estudios... ha habido momentos en que pensábamos ´o alguien nos echa una mano o no podemos seguir con todo esto´... además cuando hay un sello detrás parece que la gente te hace más caso”.

Leer Mas......

miércoles, 2 de abril de 2008

Darío Pescador: "Los periódicos de papel seguirán existiendo"

Darío Pescador, coordinador de publico.es y antiguo redactor jefe de Baquia (en su época más gloriosa), estuvo también en el Congreso de Periodismo Digital de Huesca, a donde acudió a presentar la conferencia "Estandares W3C. La WEB con mayúsculas". Al final de su intervención, le preguntamos sobre algunas cuestiones relacionadas con Internet, el periodismo digital y su trabajo dentro de la Web de Público, el nuevo periódico que vio la luz el pasado 26 de septiembre.

Al igual que con Forges, el único equipo con el que contamos para grabarle fue un móvil... bueno, pero un móvil al fin y al cabo. Así que si no escucháis bien lo que dice, os transcribo la entrevista en un documento de Word, que podréis descargaros rápidamente desde aquí a través de Megaupload.

Os dejo con los vídeos.

¿Acabarán los diarios digitales con los periódicos impresos?



La forma de trabajar en la redacción de Público:



La lucha por la primicia en publico.es:



¿Qué le dirías a un lector con Internet para que compre el periódico en el quioco?



FOTOS DEL IX CONGRESO DE PERIODISMO DIGITAL:

Leer Mas......

martes, 1 de abril de 2008

Forges, un internauta más.


Antonio Fraguas de Pablo, conocido como Forges, habló en Huesca con el periodista y bloggero Guillermo del Olmo (responsable de Crónica Insurgente) con motivo de la entrega del premio Blasillo de Huesca que se otorga todos los años en el Congreso de Periodismo Digital. La entrevista, que podeis disfrutar más adelante, no se escucha del todo bien (todo nuestro equipo técnico estaba compuesto por... un móvil), así que os dejo también la charla inmortalizada en un documento de Word.

El Blasillo de Huesca es un galardón creado por Forges hace 5 años para recompensar la imaginación y el ingenio en Internet. Este año ha recaído sobre Melisa Tuya y su blog En Busca de una Segunda Oportunidad.

A sus 66 años, lejos de huir de Internet, el popular humorista gráfico le saca partido a través de la Web que puso en marcha en junio de 2005, aunque reconoce: "Lo cierto es que me cuesta sacar temas para actualizar la página a diario".

Muchos dudarían de esta confesa dificultad, si tenemos en cuenta la extensa carrera de este genio de la viñeta que, actualmente, publica medios como Interviú, Lecturas, El Jueves, Jano y, desde 1995, en El País. No obstante, su primer dibujo se publicó en 1964, cuando trabajaba como mezclador de imagen en TVE. Y ha trabajado además para La Codorniz, Pueblo, Ya, Hermano Lobo, Por Favor. Y para los diarios Arriba, Pueblo, Informaciones.

Espero que disfrutés de este rato con Forges.

Cómo ve Forges la revolución de Internet:


La crispación y los obispos:


Forges pormete actualizar su "Historia de Aquí":

Leer Mas......

jueves, 13 de marzo de 2008

Ian Mckaye y la SGAE

"¿Y nunca te has enfadado por eso en España?

No, siempre advierto antes de empezar el concierto: “chicos, me gustaría que estuvierais callados y permitieseis al de al lado disfrutar del concierto”. En España me he cabreado por otro motivo: no comprendo el sentido de la SGAE [lo pronuncia tal y como suena en castellano]. Es algo que no me entra en la cabeza. Evens no tenemos ni una sola de nuestras canciones registradas porque considero que nadie tiene derecho a llevarse ningún porcentaje de un trabajo que hago yo, edito yo y toco yo en directo. Y no tengo ningún problema a este respecto en ningún país excepto en España. ¿Por qué tengo que darle un porcentaje a una asociación que no va a hacer nada por mí, puesto que vivo en otro país? ¡Es absurdo! Lo hablaba con Xavi, el que suele montarnos los conciertos en España. ¿Y si, en lugar de cantar en una banda, leyera poemas en un bar, sin ningún apoyo instrumental? No tendría que pagar a la SGAE. ¿Y qué diferencia hay si recito los poemas, pero con una guitarra? Que tengo que pagar. ¿No es absurdo?".

Esta reflexión no es de extrañar si tenemos en cuenta que viene de un miembro de Fugazi, en cuya página dentro de la Web de Dischord podemos leer: "The band maintains a policy of affordable access to their work through low record and ticket prices and all concerts are all-ages" ("La banda mantiene una política de acceso asequible a sus trabajos a través de los bajos precios de sus discos y entradas, y de sus conciertos para todas las edades"). Un ejemplo a seguir sobre el que ya di cuenta en esta página.

Las declaraciones de Ian McKaye (Teen Idles, Minor Threat, Embrace, Fugazi, Evens) las he sacado de una entrevista que le hicieron en La Dinamo.

Leer Mas......

jueves, 6 de marzo de 2008

Manifestación de la EMT en Madrid

La protesta coincide con la quinta jornada de la huelga de autobuses

4 de marzo de 2008
ISRAEL VIANA

MADRID. Bajo el lema “Por un convenio justo en EMT, por un servicio público de calidad” miles de trabajadores de la Empresa Municipal de Transportes (EMT) se manifestaron ayer en el centro de la capital para exigir mejoras salariales y laborales. El acto coincidió con la quinta jornada de huelga de autobuses, que provocó fuertes retrasos, sobre todo, en las líneas universitarias.
Durante las más de dos horas que duró el recorrido entre la estación de Atocha y la céntrica Plaza de Cibeles, los manifestantes -acompañados por sus familias- corearon consignas contra el alcalde de Madrid, Alberto Ruiz-Gallardón. “Así están las cosas en Madrid, de huelga la EMT, por culpa de un alcalde del PP”, gritaba la multitud que ocupaba el carril central y uno de los laterales del Paseo del Prado, mientras hacía ruido con silbatos y petardos.

Según fuentes del Cuerpo Nacional de Policía había alrededor de 3.000 personas, mientras que para el Secretario del Comité de Empresa por Plataforma Sindical, Antonio Rosas, se habían congregado entre 13.000 y 15.000. “Ahora solo falta que el éxito se materialice en acuerdos”, añadió.

La protesta, convocada por los cinco sindicatos que forman el comité de empresa -CC.OO., UGT, Plataforma Sindical, SIT-CSI y SICAM- no registró incidentes durante la mayor parte del trayecto, aunque al filo de las 8 de la tarde la Policía Nacional tuvo que esforzarse en frenar a un grupo de manifestantes que invadió los carriles de la Glorieta de Cibeles. Un hombre se tumbó y otro se sentó delante de un autobús en marcha, y varios agentes los retiraron a empujones. En apenas unos segundos, una veintena de furgonetas antidisturbios y un cordón policial rodearon el medio arco de la plaza desde el paseo del Prado hasta la esquina del Ayuntamiento. Los manifestantes, puño en alto, continuaron arremetiendo contra Gallardón a ritmo de chotis: “Madrid, Madrid, Madrid, cuánto tiempo lo vas a consentir, si el alcalde no se va, todos lo vamos a echar”.

A las ocho y media de la tarde el secretario del Comité de Empresa leyó un manifiesto frente a la nueva sede de la alcaldía con las reivindicaciones de los trabajadores. Acto seguido los manifestantes se disolvieron.

La EMT también protesta

Por su lado, la empresa denunció que las peticiones que intentan negociar los trabajadores -una subida salarial de 2 puntos por encima del IPC anual y un plus de 180 euros en el primer año y 220 en el segundo- suponen un incremento total de la masa salarial de un 28,58 por ciento, “muy superior a lo que están haciendo creer a la opinión pública”. El portavoz de UGT, Daniel Gala, afirmó que las peticiones son "justas y básicas teniendo en cuenta la pérdida de poder adquisitivo que han experimentado".

Antonio Rosas criticó las declaraciones de la empresa que aseguraban que había hecho una oferta a los trabajadores que no habían contestado. “Es completamente falso -aseguró-, lo hemos hecho en varias ocasiones, y un ejemplo es la manifestación de hoy. No la aceptamos porque es ridícula y no soluciona los problemas por los que nos hemos movilizado”. El portavoz de CC.OO., Alberto Blanco, afirmó que los trabajadores “siempre” están abiertos a la negociación, siempre y cuando se presente una propuesta “seria” que se aproxime a las pretensiones de los empleados. “Si no -sentenció- no nos queda más remedio que continuar con esta lucha”.

Los sindicatos se reunirán esta mañana para fijar una fecha de negociación, que la empresa confía que “llegue pronto”. Mañana miércoles es la sexta jornada de huelga, con tres paros parciales de dos horas y media. Los servicios mínimos oscilarán entre el 50% y el 60% de la flota.

video

Leer Mas......