Concierto de Paramount Styles (miembros de Girls Against Boys) el 6 de Febrero en Madrid!‏

Inmediatamente después de escuchar por primera vez "Venus Luxure No. 1 Baby", hace ya unos añitos, Girls Agains Boys se convirtió en una de mis bandas favoritas. Un grupo peculiar y especial, sobre todo por sus dos bajistas y la carrasposa voz de Scott McCloud, que le da a las canciones algo propio reconocible y con personalidad. Tras una carrera brillante, cargada de discos impresionantes en sellos independientes (y un intento fallido en el mundo de las multinacionales), Scott McCloud ha lanzado su proyecto personal, Paramount Styles, nacido en el 2008 en el sello europeo Konkurrent... ¿habéis escuchado alguno de los impresionantes splits de "In The Fishtank"? Pues son de allí.

Para describir a McCloud, os dejo lo que acertadamente se dice de él en la página Nosoloemo, que suscribo totalmente: "Hay una colección de bandas en los noventa que se reconocen rápidamente por la extraña (por original y característica) voz de su cantante. Voces especiales que convierten en especiales a sus bandas. A la cabeza me viene una lista, basada claramente en preferencias personales, que estaría formada por algunos iconos de la época como Stephen Malkmus, Lou Barlow, Thalia Zedek, Mark Sandman, Jeremy Enigk, Kurt Cobain, Darren Hayman, Shanon Hoon o J. Mascis entre otros. Y, ya que la ocasión lo requiere, no podemos olvidarnos de Scout McCloud y su lenta, grave y particular forma de entonar las canciones que dieron forma a la discografía de los muy respetados Girls Against Boys".

El próximo 6 de febrero Paramount Styles estarán en Madrid presentando "Failure American Style". Será en El Perro de la Parte de Atrás, por tan solo 7 euros. Scott McCloud, acompañado de ni más ni menos que Alexis Fleisig (batería de Girls Against Boys y Bellini) y Richard Fortus (guitarra de Psychedelic Furs' y Guns N’Roses en la actualidad), en su versión más tranquila, melancólica y cercana, pero igual de intensa que en los temas de Girls Against Boys.

Aquí os dejo con un video de Girls Against Boys: "I Don´t Got A Place", ¡increíble!

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Descárgate gratis el álbum de Omar Rodríguez-López, "Se Dice Bisonte, No búfalo"

Os podéis descargar gratis el tercer disco en solitario de Omar Rodríguez-López. Omar es el guitarrista de The Mars Volta (y antes de At The Drive-In), del que se ha llegado decir que es el "Jimmi Hendrix del siglo XXI". Vale, puede que se hayan pasado, pero no cabe duda de que es un guitarrista especial, con una técnica increíble y muy original... al que merece la pena ir a ver en directo aunque sea una vez.

Descargar aquí: "Se Dice Bisonte, No Búfalo"

Este álbum fue grabado mientras Omar vivía en Amsterdam, en Noviembre de 2005, y concebido simultáneamente al álbum Amputechture de The Mars Volta. Es la banda sonora de la película "El Búfalo de la Noche" de Jorge Hernandez Aldana, que es de donde surge el título del disco. "Es la necesidad de expresar mis propios sentimientos acerca del filme", dijo Omar con su acento puertoriqueño medio perdido. La portada, por su parte, es obra del colaborador y viejo amigo de Omar, Damon Locks the The Eternals.

"Se Dice Bisonte, No Búfalo" fue el primer álbum solista de Omar en aparecer en la lista de Billboard, alcanzando el nº 40 en la lista Top Heatseekers.

Lista de Canciones:

"The Lukewarm" – 0:26
"Luxury of Infancy" – 1:12
"Rapid Fire Tollbooth" – 5:03
"Thermometer Drinking the Business of Turnstiles" – 3:00
"Se Dice Bisonte, No Búfalo" – 7:00
"If Gravity Lulls, I Can Hear the World Pant" – 2:46
"Please Heat This Eventually" – 11:24
"Lurking About in a Cold Sweat (Held Together by Venom)" – 4:49
"Boiling Death Request a Body to Rest Its Head On" – 4:14
"La Tiranía de la Tradición" – 5:05

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Amparanoia & Tiken Jah Fakoly - "Plus Rien Ne M'Etonne"

Un bonito tema de Tiken Jah Fakoly interpretado junto a Amparo de Amparanoia (que últimamente anda coqueteando con Calexico). Dos voces, una guitarra y una buena letra.

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Descárgate gratis el último disco de The Letter E ("N°5 Long Player"), proyecto intrumental de Sean Meadows y Curtis Harvey

The Letter E es el proyecto paralelo e instrumental (casi cinematográfico) de dos nombres básicos de esa etiqueta en la que habitualmente metemos a Slint, Rodan, Tortoise, Mogwai, bla, bla, bla (intento obviar la ya odiada por mí etiqueta post-rock): Sean Meadows y Curtis Harvey, ambos procedentes de bandas tan míticas de este meollo musical -nacido de Louisville (Kentucky), a finales de los 80 y principios de los 90-, como June Of 44, Sonora Pine, Lungfish, Everlasting The Way, Boondoggle (por parte de Meadows) o Rex, Pullman (por parte de Harvey).

Y si a estos dos sumamos ni más ni menos que a Bob Weston (Shellac), que produce el disco, el all-start de personalidades del rock yanqui más underground (...y más interesante, en serio) ya está hecho. Sólo con esto ya merece la pena que os descarguéis (gratis) su disco. Un álbum bonito que reúne todas las cualidades de este tipo de música, de corrección y buenas maneras. Aunque, sinceramente, hecho en falta un poco de riesgo, alguna sorpresa de las que cabe esperar de tres genios como estos. Pero, bueno, tiene pasajes realmente bonitos que merece la pena escuchar.

Pincha aquí para descargártelo gratis y rápido.

En este proyecto, junto a Sean Meadows y Curtis Harvey, están también el veterano Josh Matthews (de originalísimo espectáculo Blue Man Group) y el fotógrafo Enis Sefersah. Su primer disco homónimo, por cierto, fue publicado a principios del 2000 (tres años después de que fuera grabado) por el sello Bcore de Barcelona.

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El guitarrista de los míticos The Stooges, Ron Ashenton, aparece muerto en el sofá de su casa

"I am in shock. He was my best friend", escribía Iggy Pop en su web nada más conocer la muerte de su gran amigo Ron Ashenton (17 de julio de 1948 - 6 de enero de 2009). Ron era la melena y las gafas de montura de pera que aparecían siempre en las fotos al lado de Iggy... hasta que apareciera muerto en el sofá de su casa el pasado día de Reyes. Y es que Ron no era un guitarrista cualquiera, sino el fundador de The Stooges, el grupo que para muchos fue pionero del punk.

Los primeros discos de The Stooges, en los que Ron componía, forman parte de la tradición de álbumes que no tuvieron un gran éxito comercial, pero sí una enorme influencia. Discos que significaron un punto de inflexión en la música que se hacía por entonces, de esos que hacen que surjan un montón de bandas nuevas. Es el caso de su debut homónimo, "The Stooges" (1969), producido por John Cale, pero también de "Fun House" (1970) o "Raw Power" (1973), este último producido por David Bowie.

Ron Ashenton fue hallado muerto el 6 de enero en su casa de Ann Arbor, en Michigan. La Policía acudió a su vivienda pasada la medianoche, después de que un conocido del músico informara de que llevaba varios días intentando contactar con él sin éxito. El cadáver del que compuso el himno de “I Wanna Be Your Dog“, de 60 años, estaba en su sofá y todo apunta a que su muerte se produjo hace varios días debido a causas naturales. “No creemos que haya nada ilegal”, explicó el sargento de la Policía, Brad Hill.

Ron formó el grupo en 1967 junto a su hermano, el batería Scott Asheton, e Iggy Pop en Ann Arbor. Desde entonces, la música de The Stooges ha ejercido una extraordinaria influencia en millones de bandas durante los últimos 40 años y, junto a MC5, fueron el centro de la corriente musical surgida en Detroit a finales de la década de 1960.

La banda se disolvió en 1974 tras editar tres álbumes y tener un limitado éxito comercial, a lo que se sumaron los crecientes problemas de Iggy Pop con las drogas. Pero el ritmo de los brillantes “riffs” de Asheton en temas como "I Wanna Be Your Dog" y "TV Eye" tuvieron una gradísima influencia entre muchas de las bandas punk y alternativas que surgieron desde entonces, como The Sex Pistols, The Ramones, Sonic Youth, Patty Smith, Televisión o REM entre un interminable etcétera.

Tras la ruptura del grupo, Asheton pronto se unió a The New Order y Destroy All Monsters, y, además, comenzó a actuar en varias películas de horror de bajo presupuesto en los años ochenta y noventa. Tiempo después regresaría a su época de plataformas y coqueteos con la estética glam en la película Velvet Goldmine, en cuya banda sonora participó junto a Thurston Moore de Sonic Youth o Mark Arm de Mudhoney, entre otros.

Con el nuevo milenio, Ron Asheton se juntó de nuevo con su hermano para tocar con The New Stooges. Iggy los vio y decidió relanzar la banda, que en el 2007 sacó un álbum “The Weirdness“, producido por el ya conocido de este blog Steve Albini. Aunque en los conciertos que ahora daban, la mayoría aún pedía riffs míticos como el de "No fun" o el de "I wanna be your dog".

Ron Ashenton (izquierda) ha muerto... pero Iggy Pop seguirá saltando como un quinceañero hasta que cumpla 200 años.

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¿Fugazi Vs. Destiny's Child?

Pensáis que es completamente imposible mezclar dos grupos como Fugazi y las famosas Destiny's Child... ¡pues os equivocáis! ¿Os imagináis a Guy Piccioto retorciéndose por el escenario con su Rickenbaker, a Ian Mckaye sudando la gota gorda desde el primer tema, mientras el bajista Joe Lally se mantiene rígido y asombrado con los movimientos de Beyoncé y sus compañeras, que bailan y cantan a ritmo de hardcore? Pues, hombre, una colaboración parece bastante poco probable, aunque hay un "friqui" por ahí que se dedica a mezclar los grupos más dispares... y los clava. Escucha si no la música de "Waiting Room" de Fugazi con la letra y voz del tema "Independent Woman" de Destiny's Child. La colaboración de Slash (Guns´n Roses) con Marta Sánchez se ha quedado pequeñita...

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El Vaticano perdona a John Lennon... ¡uff, menos mal!

El periódico del Vaticano, el Obsservatore Romano, ha perdonado finalmente a John Lennon por declarar hace más de 40 añitos que The Beatles eran más famosos que el mismísimo Jesucristo. Lennon hizo este comentario a un periódico de Londres en 1966, lo que, como era de esperar, enfureció a un montón de cristianos.

Pero ahora (después de que el 8 de diciembre se cumplieran “sólo” 28 años desde que un fanático le dejara 4 balas en la espalda a las puertas de su casa) el periódico del Vaticano le quita hierro a la cosa reconociendo que “el comentario de John Lennon, que provocó una profunda indignación, tras muchos años suena sólo como un ‘alarde’ de un joven inglés de clase trabajadora que enfrentó un inesperado éxito, tras crecer con la leyenda de Elvis y el rock and roll”. Claro, que iba a ser si no: un pobre paleto inconsciente que no sabía lo que decía. La Iglesia siempre acertadísima.El tiempo cura las heridas, y las de la Iglesia suelen tardar algunos siglos...

Y eso que, cuando el compositor de algunos de los himnos del siglo XX abrió la boca allá por 1966, muchos cristianos se lanzaron a la calle, principalmente en Estados Unidos, a quemar los álbumes de The Beatles en enormes fogatas. ¡Como si de la Inquisición se tratara! No fue tonto Lennon, que, si no era su grupo más famoso que Jesús, con esta acción seguro que le arrebató el número uno de ”las listas”.

El artículo del Obsservatore Romano no se queda ahí, sino que además conmemora el 40 aniversario de “The White Album” y continúa alabando a la histórica banda pop. “El hecho es que 38 años después de separarse, las canciones de la dupla Lennon-McCartney han mostrado una extraordinaria resistencia al paso del tiempo, convirtiéndose en una fuente de inspiración para más de una generación de músicos pop”, dice el visionario periódico del Vaticano, como si se hubiera dado cuenta ahora.

Aunque mucho me temo que a Lennon se la hubiera sudado todo esto, mucho más preocupado por la “peace” and “love” y Yoko Ono (”la culpa de todo, la tiene…”).

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Muere Freddie Hubbard, la última leyenda de la época dorada del jazz

Vuelvo al jazz, por fin, y esta vez era obligatorio. Ha muerto Freddie Hubbard (7 de abril de 1938 - 29 de diciembre de 2008), uno de los más prestigiosos trompetistas de la historia del jazz, una de las últimas leyendas que aún quedaba viva de la época dorada, uno de los mayores innovadores de esta música, uno de los pioneros de su fusión con el soul y el funk, y, en definitiva, uno de mis trompetistas favoritos... ¡y con eso es suficiente!

De hecho, el disco grabado en directo en el club La Marchal (1965), conocido como The Night of the Cookers, lleva poniéndome los pelos de punta desde hace ya varios años. Una locura de concierto en el que Hubbard se bate con el también trompetista Lee Morgan. Un torrente de música que se ha apagado para siempre, este lunes, en un hospital de Los Ángeles.

Freddie Hubbard ha muerto a los 70 años en el Hospital Sherman Oaks de la ciudad de las estrellas y el glamour, pero lo ha hecho en el más absoluto silencio (quién lo iba a decir), después de ser ingresado hace un mes por un ataque al corazón.

Durante su larga vida, Hubbard fue excesivo en todo. En su forma de entender la vida y en su forma de entender la música; sobre un escenario y fuera de él. Acercarse a este músico, decían, entrañaba más de un riesgo, sobre todo si eras una mujer. Y es que, según cuentan, Freddie Hubbard era como su música: puro fuego.

Hubbard tomó su inspiración de todos los que le precedieron, desde Clifford Brown y Lee Morgan a Dizzy Gillespie y Miles Davis, además de Max Woodbury, primer trompeta de la Orquesta Sinfónica de Indianápolis, de quien aprendió cuanto debe saberse acerca de la técnica del instrumento. Mucho antes de cumplir los 20 empezó a trabajar con los hermanos Montgomery, (entre ellos, el guitarrista Wes, del que ya hemos hablado aquí). En 1958 se mudó a Nueva York y no tardó en hacerse un hueco en la escena, a pesar de su juventud. Dos años después paseaba por la Gran Manzana como la "estrella emergente" del jazz, y con tan sólo 22 añitos (1960) grabó su primer disco para el sello Blue Note, Open Sesame, al tiempo que entraba a formar parte de los Jazz Messengers de Art Blakey, junto al saxofonista Wayne Shorter.

Los más grandes se peleaban por él. Hubbard graba y actúa junto a Herbie Hancock, Sonny Rollins, Thelonious Monk, Miles Davis, Cannonball Adderley... para agosto de 1961 ya ha grabado cuatro álbumes a su nombre entre los cuales se encuentra la que, para muchos, es su obra maestra, "Ready for Freddie", de nuevo, con Wayne Shorter.

Sin ser un vanguardista, el trompetista participó en tres grabaciones seminales del new jazz: "Free Jazz", de Ornette Coleman (1960); "Out to Lunch", de Eric Dolphy (1964) y "Ascension", de John Coltrane (1965). Que aquella fuera la corriente principal en el jazz explica que, al cambio de década, decidiera buscarse una fuente de financiación más fiable en lo que entonces se conocía como muzak. Una música que combinaba los instrumentos electrónicos y las orquestas de cuerdas, el rock, el funk y un repertorio confeccionado a la medida de los gustos del gran público: "no tengo reparo en reconocer que gané más dinero con aquellos discos que lo que había ganado en toda mi vida". En el año 1972, el trompetista obtuvo su único Grammy por "First Light".

Que el mundo del jazz le diera la espalda por algo así era un mal colateral que estaba dispuesto a asumir. El propio Hubbard lo reconocería en una entrevista en la revista Cuadernos de Jazz, en el año 2001: "Tenía que elegir entre morirme de hambre tocando jazz o ganar dinero. Y elegí". El trompetista se curaba en salud haciendo de Miles Davis en VSOP, junto a Shorter, Hancock, Ron Carter y Tony Williams. Pero ni por esas. Su prestigio en el mundo del jazz se había venido abajo y la situación empezaba a escaparse a su control. El antiguo niño bonito de la afición se cuidaba muy mucho de mostrarse ante su antiguo público: "Estaba harto de tocar esa música, necesitaba desesperadamente volver a lo mío". Y supo rectificar a tiempo.

En los ochenta, el mundo del jazz saludó el regreso del hijo pródigo con la misma algarabía como lo había hecho algunos años antes con Miles Davis en su vuelta a los escenarios. Hubbard estaba de vuelta en el hard bop que le vio nacer, volvía a disfrutar tocando y las huestes del jazz con él. Durante esa década y la siguiente vino a nuestro país en numerosas ocasiones, con sus propios grupos o formando parte de alguno de los All Stars. Hasta que sus labios dijeron basta. Demasiados años saliendo a la pista a pecho descubierto y sin el preceptivo calentamiento: "No me cuidaba, nunca lo he hecho, y ahora lo estoy pagando", reconocía en la entrevista. Una úlcera en el labio superior apartó al trompetista de la vida pública durante tres interminables años: "No se imagina lo duro que ha sido estar todo el santo día en casa sin poder hacer lo que he hecho toda mi vida, con mi mujer detrás diciéndome ¿cuándo vas a empezar a trabajar?".

El último de los trumpet heroes de la historia volvió a la escena por segunda vez en unas condiciones inaceptables para ningún trompetista, mucho menos para él. La imagen del rey del salto mortal sin red convertido en una caricatura de sí mismo durante su actuación en el Northsea Jazz Festival, en el año 2000. Ni rastro del Hubbard original. Su incapacidad para, ni siquiera, sostener una nota en el registro medio, le llevó a buscar refugio en el fliscornio, primero, y en la composición, después, pero no tuvo éxito. Poco a poco, su imagen se desvaneció hasta desaparecer por completo.

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